07/01/2018

Hommage à France Gall

2DE06B16-4AC1-4B29-B021-04C410C1B1ED.jpeg7 novembre 2015. Je me rends à Paris pour aller voir la comédie musicale « Résiste » qui est à l’affiche du Palais des Sports depuis trois jours. Comment…résister à aller assister à ce spectacle basé sur les chansons de France Gall et de Michel Berger qui m’ont accompagné pendant les 30 premières années de ma vie et qui continuent de le faire plus de 25 ans après la mort de leur auteur? 

Bien m’en a pris puisque « Résiste » est une réussite, la dernière de France Gall qui en a tant connu tout au long de sa carrière. Et puis, ce soir-là, j’ai eu la chance de la voir pour la troisième fois, après deux concerts dans les années 80 à la patinoire des Vernets. France Gall est en effet montée sur scène au moment des salutations radieuse à l’idée d’avoir rendu une fois encore hommage à Michel Berger.

A l’heure où France Gall tire sa révérence et où la tristesse envahit celles et ceux qui ont aimé ses chansons, quoi de plus beau pour lui rendre hommage que de se souvenir de la folle ambiance qui régnait lors de la représentation au moment où la troupe entonnait deux des chansons les plus connues de France Gall, à savoir « Il jouait du piano debout » et « Elle, elle l’a »?

Donner du plaisir à tellement de personnes pendant des décennies n’est pas donné à tout le monde, alors merci au couple France Gall-Michel Berger de l’avoir fait. Et ce n’est pas terminé, car leurs chansons continueront encore pendant longtemps à se rappeler aux bons souvenirs de beaucoup d’entre nous! 

 

 

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Du grand au petit écran : « Still Alice » avec une bouleversante Julianne Moore

IMG_1331.jpgProfesseur de linguistique réputée, mariée, mère de trois grands enfants, épanouie, Alice Howard présente les premiers signes de la maladie d’Alzheimer alors qu’elle vient de fêter ses 50 ans. Cette nouvelle va bien évidemment bouleverser sa vie et celle de son entourage. Luttant avec toute son énergie, son intelligence, le soutien plus ou moins efficace des siens et également la technologie moderne, Alice va mener ce combat, perdu d’avance, avec une grande dignité pour qu’on n’oublie pas qu’au-delà de sa perte de mémoire, elle demeure une personne à part entière.

Le film ne réserve guère de surprises dans son déroulement. Il est classique dans sa forme et les seconds rôles, le mari et les trois enfants, ne sont pas suffisamment développés. Mais il a une immense qualité qui vaut à elle seule la peine de le voir : Julianne Moore. Fort justement récompensée par l’Oscar de la meilleure actrice, elle est bouleversante de bout en bout. Voir à l’écran son regard s’éteindre petit à petit au fur et à mesure que la mémoire la quitte est du très grand art. Une performance qui vous scotche sur votre fauteuil au moment du générique de fin et qui fera sans nul doute date dans l’Histoire du cinéma.

3 étoiles. « Still Alice ». RTS UN, lundi 8 janvier, 20h40.

A voir également à la télévision cette semaine

Jusqu’où Andrew acceptera-t-il d’être rabaissé et humilié par son professeur pour réaliser son rêve de devenir un musicien d’exception ? Le film est porté par deux acteurs remarquables, une mise en scène qui ne laisse rien au hasard et un montage tiré au cordeau. Le face à face entre le professeur et son élève atteint par moment des sommets d’intensité incroyables avec en particulier un dernier quart d’heure qui vous laisse scotché sur votre fauteuil au moment du générique de fin. Le film de Damien Chazelle, le réalisateur de « La La Land », vaut le détour.

5 étoiles. « Whiplash ». France 4, dimanche 7 janvier, 22h55.

Vacances familiales dans les Alpes, pause déjeuner sur la terrasse du restaurant et tout à coup une avalanche qui s’approche dangereusement. Panique à bord. Tomas, le père, s’enfuit alors que la mère se retrouve seule pour protéger ses deux enfants. Plus de peur que de mal, l’avalanche s’est arrêtée au pied du restaurant. Mais elle a tout de même fait de gros dégâts au sein de la famille : le père a failli dans sa mission de protecteur et a perdu la confiance de son épouse et de ses enfants. « Snow Therapy » est une comédie grinçante – la marque de fabrique de Ruben Ostlund, également réalisateur du décevant « The Square », Palme d’or 2017 – par moment jouissive par son côté cruel, qui s’attaque aux clichés de la famille « idéale », mais aussi au rôle de l’homme dans notre société occidentale. « Snow Therapy » est un film qui dérange. Il ne s’oublie pas une fois qu’il est terminé quand bien même on regrettera une fin ratée.

3 étoiles. « Snow Therapy ». RTS UN, jeudi 11 janvier, 23h25

5 étoiles : à voir absolument, 4 étoiles : chaudement recommandé, 3 étoiles : ça vaut la peine, 2 étoiles : pas indispensable, 1 étoile : il y a mieux à faire

 

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05/01/2018

Une liste femmes au Grand Conseil?

Cette question se pose puisque « LALISTE - Les femmes au Grand Conseil en 2018 » recrute par une annonce sur Facebook des candidates qui sont sans affiliation à un parti politique, éligibles et qui veulent défendre l’egalité entre les femmes et les hommes dans la société, à commencer dans le monde politique où elles sont (largement) sous-représentées. Les femmes intéressées ont jusqu’au 8 janvier pour montrer leur intérêt. Que faut-il penser de cette initiative? 

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03/01/2018

Du grand au petit écran: « Un homme idéal » avec l’excellent Pierre Niney

4E00958D-14B2-4669-BE13-69C982470CD0.jpegMatthieu Vasseur a 26 ans et rêve de devenir un écrivain connu et reconnu, mais en attendant il travaille comme déménageur. Las, ses écrits ne trouvent pas preneur auprès des maisons d’édition, son talent n’étant pas à la hauteur de ses ambitions. Mais la providence vient à son secours sous la forme d’un manuscrit découvert lors d’un déménagement. Matthieu va se l’approprier et le publier sous son nom. Immense succès. Une bonne nouvelle ne venant jamais seule, Matthieu rencontre également la femme de sa vie. Le temps passe. Matthieu est pressé de toutes parts pour publier son deuxième livre alors que la vérité concernant son premier roman le rattrape peu à peu. Prisonnier de son mensonge originel, Matthieu va affronter des situations de plus en plus complexes pour que son statut d’imposteur ne soit pas découvert.

Le film démarre sur les chapeaux de roue, c’est vraiment le cas de le dire, en mettant tout de suite le spectateur dans l’action. On s’attache très vite au personnage de Matthieu en grande partie grâce à l’excellente prestation de Pierre Niney. Et cet attachement n’ira pas en diminuant au cours du film malgré l’évolution pour le moins discutable et improbable du personnage qui oscille entre le super héros et le super salaud. Malgré de nombreuses invraisemblances, on se laisse emporter par cette histoire à suspense pour au final passer un bon moment. Ce n’est déjà pas si mal.

2 étoiles. « Un homme idéal ». TF1, jeudi 4 janvier, 22h25.

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01/01/2018

Mes films préférés de 2017

C’est toujours un exercice compliqué que de choisir ses films préférés quand on en a vu une bonne soixantaine au cours de l’année. Avec le recul, on se rend compte que certains films qu’on a beaucoup aimés sur le moment ne laissent guère de souvenirs quelques mois plus tard alors que d’autres font le chemin inverse dans votre mémoire…

Mes films préférés de 2017

Lion.jpg« Lion » raconte l’histoire vraie de Saroo, âgé de 5 ans dans les années 80, qui se retrouve seul dans un train qui le conduit à Calcutta, à des milliers de kilomètres de chez lui. Perdu dans cette mégapole, Saroo va survivre comme il peut dans un milieu hostile avant d’être recueilli dans un orphelinat et d’être adopté par un couple d’Australiens. 20 ans plus tard, Saroo pense toujours à sa famille qu’il veut tenter de retrouver à l’aide de ses rares souvenirs et de Google Earth. Le film comporte donc deux parties plus ou moins d’égale longueur. Dans la première, on fait la connaissance d’un enfant de 5 ans espiègle, débrouillard et issu d’un milieu très modeste. Sunny Pawar qui joue le rôle de Saroo enfant est absolument génial. La deuxième partie se concentre sur la quête de Saroo pour retrouver ses racines et les difficultés pour y arriver aussi bien sur un plan opérationnel qu’émotionnel. L’émotion est d’ailleurs présente pratiquement à chaque seconde et atteint par moment de tels sommets qu’il est quasiment impossible de retenir ses larmes tant le film vous touche en plein cœur.       

                          

 120 battements.jpg« 120 battements par minute ». Paris début des années 90, l’épidémie du sida fait des ravages, tout particulièrement dans la communauté homosexuelle, dans une indifférence quasi générale. Les militants d’Act Up multiplient les actions coup de poing pour attirer l’attention des pouvoirs publics et des pharmas sur le drame qui se joue sous leurs yeux et dont ils ne mesurent pas l’ampleur par ignorance, parce qu’ils se voilent la face ou encore par calcul. La première partie du film, qui donne une grande place aux réunions hebdomadaires et aux actions est absolument remarquable aussi bien au niveau des contenus que de la manière dont elles sont mises en scène. Du grand cinéma. Et puis, il y a au milieu de ce tourbillon militant la relation amoureuse entre Sean, dont la santé décline semaine après semaine, et Nathan, qui a échappé à l’infection. Leur relation illustre par deux destins individuels le combat qu’Act Up a mené pour l’ensemble de la collectivité. La romance entre Sean et Nathan, les deux acteurs sont exceptionnels, est drôle, sensuelle, d’une très grande complicité, pleine d’espoir malgré tout, bouleversante, tragique. Bref, belle, tout simplement.

« Manchester by the sea ». Lee Chandler est concierge à Boston. Il est taciturne, fuit la compagnie et provoque des bagarres dans les bars quand il a trop bu. Lorsque son frère décède subitement d’une crise cardiaque, il doit retourner à Manchester, une heure et demi de voiture de Boston, pour s’occuper des funérailles et apprendre que son frère l’a désigné comme tuteur de son neveu de 16 ans l’obligeant à se confrontant à un passé tragique avec lequel il tente de vivre ou plutôt survivre. La mission que lui a confiée son frère sera-t-elle l’occasion d’un nouveau départ ou y a-t-il des drames dont on ne se remet pas parce qu’ils sont définitivement trop lourds à porter ? « Manchester by the sea » est un film sans aucune fausse note parfaitement écrit, réalisé, monté et photographié. Malgré son sujet difficile, il ne tombe jamais dans le pathos, tout est fait en finesse à l’image du jeu des acteurs tous formidables avec une mention spéciale pour Casey Affleck époustouflant et bouleversant. Un film d’une grande humanité.

L'ordre divin.jpgL’ordre divin ». "En 1971, le monde était en pleine mutation, mais ici en Suisse, le temps semblait s'être arrêté." Le contraste avec le générique est saisissant et donne immédiatement le ton du film: Nora et ses amies vont devoir soulever des montagnes pour lutter contre cette société patriarcale et machiste qui est à la veille de décider si elle donnera le droit de vote et d'éligibilité aux femmes. Pour raconter les semaines qui précèdent cette votation qui deviendra historique, le film de la réalisatrice Petra Volpe reconstitue à la perfection cette ambiance du début des années septante de cette Suisse fermée sur elle-même: décors, costumes, coiffures, mœurs, attitudes de la gente masculine, tout y est. C'est à la fois jouissif et consternant de voir où en étaient les droits des femmes au niveau national il y a seulement 45 ans. Le film est d'ailleurs à l'image de ce constat, puisqu'il comporte des scènes franchement drôles et tendres qui alternent avec d'autres où l'on rit jaune, voire où l'on pleure de tristesse ou de joie. "L'ordre de divin" est très bien écrit que ce soit au niveau de son scénario ou de ses personnages auxquels on s'attache rapidement. Il faut dire que la distribution est excellente et donne toute sa crédibilité au film.  

Dunkerque.jpg«Dunkerque ». Mai 1940. 400 000 soldats anglais sont pris en tenaille entre la mer du Nord et l’armée allemande sur les plages de Dunkerque. Pour éviter un massacre à grande échelle et rapatrier les troupes de sa Majesté, il va falloir compter sur les troupes françaises, sur la Royal Air Force et enfin sur la flotte militaire et…civile anglaise. Pour raconter cet épisode de la seconde guerre mondiale, Christopher Nolan a pris trois angles d’attaque avec des espaces-temps différents qui se rejoindront à la fin du film : une semaine pour les événements qui se déroulent sur terre, un jour pour ceux qui ont lieu sur mer et une heure pour ceux qui ont comme décor le ciel. Il n’y a pas de temps mort dans « Dunkerque » et très peu de dialogues. Le film met en scène, sans hémoglobine, avec brio, et par moments émotion, ces soldats pris au piège sur terre et sur mer, le danger venant en premier lieu du ciel. A ce propos, les combats aériens sont à couper le souffle. « Dunkerque » est un blockbuster, mais avec toutefois l’ambition d’être également un film d’auteur. Ambition réussie grâce à une maîtrise technique époustouflante, une mise en scène qui ne laisse rien au hasard, une narration originale et, pour couronner le tout, une très belle distribution.

« Tu ne tueras point ». Basé sur une histoire vraie, "Tu ne tueras point" raconte l'histoire de Desmond Doss, un jeune homme qui veut absolument s'engager dans l'armée américaine pour servir son pays au cours de la seconde guerre mondiale tout en refusant de porter une arme, sa foi le lui interdisant. "Tu ne tueras point" est un film qui ne laisse pas indifférent, et ce bien au-delà de la dureté des scènes de bataille qui montrent bien l'horreur de la guerre. Il questionne sur la foi qui peut renverser les montagnes, sur la violence intériorisée et ce que l'on peut en faire, sur le besoin de s'engager malgré sa différence, sur l'absurdité de la guerre. Le film de Mel Gibson n'est pas parfait. On peut lui reprocher quelques longueurs, un brin de manichéisme et d'appuyer un peu trop sur la foi de Desmond. Mais ces défauts sont largement compensés par des images à couper le souffle, une mise en scène et un montage brillants, des acteurs excellents, un suspense par moment insoutenable et des émotions tout au long du film qui vous clouent sur votre siège au moment du générique de fin.

detroit.jpg« Detroit ». Il y a 50 ans, Detroit connaissait des émeutes d’une rare violence. Bien qu’elles ne puissent être qualifiées de raciales, puisque des Blancs y ont aussi participé et y ont été tués (10 sur les 43), ces cinq jours de guérilla urbaine ont mis à jour les tensions raciales existantes. En se basant sur des faits réels, « Detroit » les illustre au travers d’un épisode particulièrement violent qui se déroule l’espace d’une nuit dans un motel où trois policiers débarquent à la recherche d’un sniper. Ils vont faire connaître l’horreur à ses occupants.  « Detroit » est un film violent, particulièrement sur le plan psychologique. La tension qui y règne est par moment à la limite du supportable. La manière de filmer de Kathryn Bigelow, 3 ou 4 caméras qui tournent en même temps autour des acteurs en mouvement, et des acteurs irréprochables donnent un sentiment de réalisme qui fait par moment tellement froid dans le dos qu'il prend le dessus sur l’émotion. Un film coup de poing formellement irréprochable et aux résonances, hélas, toujours d'actualité.

 

« Dalida ». La première chose que l’on a envie d’écrire après avoir visionné le film, c’est à quel point la performance de Sveva Alviti dans le rôle-titre est époustouflante. Elle ne joue pas Dalida, elle l’est. Une vraie résurrection. La ressemblance est frappante, il a certes fallu quatre heures de maquillage chaque jour pour arriver à ce résultat, et la gestuelle parfaite jusqu’au bout des ongles. Un travail d’actrice de haut vol qui vaut déjà la peine à lui tout seul d’aller voir le film, le reste la distribution étant également excellent. Si le film est parfois un peu pesant en raison des événements dramatiques qui ont émaillé la vie de Dalida, et sur deux heures ça fait beaucoup, il n’en demeure pas moins que « Dalida » est à l’image de son héroïne : flamboyant, touchant, émouvant, intelligent, divertissant, entraînant, réjouissant. On ajoutera enfin que le film est également un régal pour l’œil, car il est soigné dans les moindres détails au niveau des décors et des costumes. A regretter qu’une heure de film ait été coupée au montage.

« Les figures de l’ombre ». Basé sur une histoire vraie, le film raconte l’histoire hors du commun de trois scientifiques afro-américaines qui ont grandement contribué au début des années 60 à la conquête de l’espace. Elles y sont parvenues grâce à leurs extraordinaires compétences, car le moins que l’on puisse écrire est que le contexte ne leur était guère favorable. Confrontée à la double discrimination d’être femme et noire dans un Etat, la Virginie, qui à cette époque avait des lois ségrégationnistes, elles ont réussi à se faire une place au sein de la NASA non seulement grâce à leur intelligence, mais également grâce à leur patience et leur détermination. Un film à la réalisation et mise en scène certes classiques, mais soignées, porté par une excellente distribution, avec du suspense, de l’émotion, une bande originale remarquable et un contexte qui fait réfléchir sur la différence, et pas seulement sur celle d’hier…

Et encore (par ordre alphabétique)…

Au revoir là haut.jpg« Au revoir là-haut ». Edouard Péricourt et Albert Maillard se sont connus dans les tranchées de la première guerre mondiale sous le commandement de l’ignoble lieutenant Pradelle. Edouard, dessinateur de talent, est gravement blessé au visage lors d’une bataille peu avant l’armistice. Albert, à qui Edouard a sauvé la vie juste avant sa blessure, va alors faire tout son possible pour soutenir son ami au plus mal physiquement et moralement jusqu’au jour où Edouard a l’idée de monter une arnaque aux monuments aux morts qui va déclencher des rebondissements en cascade. « Au revoir là haut » est un film de grande qualité grâce à son scénario - qui mêle comédie, tragédie et poésie - son esthétisme, sa lumière, ses décors, sa mise en scène, ses masques magnifiques, qui permettent à Edouard le défiguré d’exprimer ses sentiments, sa créativité et bien évidemment ses personnages qui ne laissent pas indifférents qu’ils soient du côté des « gentils » ou des « méchants ». Mis à part quelques longueurs par-ci, par-là qui font parfois retomber l’émotion, « Au revoir là haut » est un film magnifique aussi bien du point de vue du fond, d’une grande actualité malgré que l’action se passe il y a un siècle, que de celui de la forme très réussie.

« Ça ». Adapté du roman de Stephen King « It », le film raconte l’histoire d’un terrible prédateur ayant la capacité de modifier son apparence physique, avec tout de même une prédilection pour celle de clown pour mieux attirer les enfants qui sont sa cible. Film d’horreur qui a donc l’ambition de faire peur. Ambition réussie grâce à des effets spéciaux très réussis qui occupent leur juste place, une photographie parfaite, une bande sonore irréprochable que ce soit au niveau des effets ou de la musique, une excellente direction d’acteurs – les sept jeunes acteurs sont tous crédibles – et un scénario intelligent qui tient en haleine la plupart du temps. Après un départ très réussi qui donne bien le ton du film (relations humaines, humour et bien sûr ambiance angoissante), « Ca » peine en effet un peu par la suite à prendre son rythme, mais ce n’est que pour mieux rebondir dans une deuxième partie d’une rare intensité.    

Confident royal.jpg« Confident royal ». En 1887, la Reine Victoria en fin de règne fait la connaissance d’un serviteur indien, Abdul Karim. Venu du « sous continent », colonialisé par les Britanniques, pour remettre de manière folklorique un présent à la souveraine à l’occasion de son jubilé d’or pour ses 50 ans de règne, Abdul va rapidement côtoyer de très près la reine tombée sous son charme pour le plus grand désespoir de la Maison royale. Sous ces airs plutôt légers, les situations comiques sont nombreuses, « Confident royal » aborde pourtant des thèmes qui sont toujours d’actualité sur les différences sociales, religieuses ou d’origine. Ce duo qui a construit une complicité hautement improbable dans la réalité, la reproduit à l’écran grâce au talent reconnu de Judi Dench, mais aussi à celui d’Ali Sazal qui rend crédible le fait que la reine Victoria soit tombé sous son charme. Si l’on peut reprocher au film d’être un peu répétitif sur la longueur et de laisser sur sa faim le spectateur sur la suite de la vie d’Abdul après cet épisode « victorien », il convient de souligner que « Confident royal » allie divertissement et réflexion avec subtilité.

 

« Get out ». Couple mixte, Chris et Rose filent le parfait amour. L'envie de présenter Chris à ses parents est donc une évidence pour Rose qui ne leur a toutefois pas dit que son amoureux était Noir, ce qui n'est pas sans inquiéter Chris. Tranquillisé par Rose qui l'assure que ce n'est pas un problème pour ses géniteurs, les deux amoureux partent en week-end rencontrer la belle famille qui vit dans une magnifique propriété et dans un univers très "Blanc". Si l'accueil est effectivement chaleureux, Chris va toutefois petit à petit être déstabilisé par des détails qui mis bout à bout ont de quoi créer de l'angoisse..."Get out" est un film qui fait monter crescendo la pression grâce à une mise en scène à la hauteur, un rythme soutenu, un peu d'humour et des pics de stress soulignés par une musique qui fait tout son effet. Et bien évidemment grâce également à un scénario intelligent qui tire sur la satire tout en respectant les codes du thriller horrifique dont une fin qui fait honneur aux meilleurs films d'horreur, y compris dans son outrance.

Le Brio.jpg« Le Brio ». Yvan Attal, le réalisateur, qualifie « Le Brio » de « dramedy ». Une définition qui correspond fort bien au film qui est à la fois drôle, léger, émouvant, mais également sérieux dans les thèmes abordés : différences sociales, racisme, sexisme, enfermement ou encore difficultés à vaincre les a priori. Neïla Salah a grandi dans la banlieue et aimerait devenir avocate. Inscrite à l’université, elle va être confrontée à un professeur coutumier de provocations et dérapages plus que limites. Sous la menace d’un renvoi, il va alors, pour tenter de se racheter une conduite, prendre sous son aile, à son cœur défendant, Neïla pour la préparer au concours d’éloquence. « Le Brio » s’appuie sur un schéma cinématographique bien connu, à savoir la confrontation entre deux personnages que tout oppose, mais qui vont finir par s’apprivoiser. En cela, il n’est pas très original et le scénario n’évite pas toujours l’écueil de la facilité et de certains clichés. Mais ce défaut n’est de loin pas rédhibitoire grâce à des dialogues très bien écrits et fort bien interprétés, une mise en scène plutôt inventive pour éviter au spectateur de se lasser de ces joutes verbales et de l’émotion bien dosée.                                                                                                                                                                                 


Le sens de la fête.jpg
« Le sens de la fête ». Depuis le succès colossal de « Intouchables », les films des réalisateurs Eric Toledano et Olivier Nakache sont très attendus et « Le sens de la fête » ne déçoit pas. L’histoire de Max, organisateur de fêtes que l’on suit pendant 24 heures, durant lesquelles toutes les tuiles possibles et inimaginables vont lui tomber dessus à l’occasion d’un mariage organisé dans un château du 17ème siècle, est en effet dans l’ensemble très réussie. Jean-Pierre Bacri est tout simplement exceptionnel. Omniprésent, il est à la fois drôle, ironique, caustique, jaloux, bougon, tendre, émouvant, touchant, excédé, désabusé, liste non exhaustive, dans son rôle de chef d’une équipe qui compte en son sein bien des bras cassés. Il est entouré par une distribution au diapason. Le film est bien écrit, avec tout de même quelques invraisemblances, et les dialogues sont souvent jouissifs. Il a également du rythme malgré une petite baisse au milieu. Il y a des scènes à pleurer de rire et d’autres émouvantes, à l’image d’une fin très réussie. « Le sens de la fête » est une comédie humaine, certes pleine de bons sentiments, pétillante comme du champagne et ça fait du bien !

Les proies.jpg« Les proies ». 1864. La guerre de Sécession fait rage. Dans le Sud, une jeune fille découvre en cueillant des champignons dans la forêt un soldat nordiste blessé. Elle décide de l’aider à rejoindre le pensionnat dans lequel elle vit avec cinq autres femmes d’âge différent, dont la directrice et une enseignante, afin qu’il puisse être soigné. Cette présence masculine, qui plus est ennemie, va petit à petit déclencher des tensions de plus en plus fortes entre les pensionnaires. « Les proies » est quasiment un huis clos qui régale l’œil : les images, les décors, les costumes, la lumière, magnifiques éclairages à la bougie, la photographie sont superbes. La mise en scène de Sofia Coppola est d’une très grande précision soulignant la tension qui augmente imperceptiblement quand bien même les événements qui se déroulent au sein du pensionnat ne sont finalement pas si nombreux. Alors que dans la version de Don Siegel de 1971, le soldat était très clairement le prédateur, dans le film de Sofia Coppola, la notion de proie est beaucoup plus floue. Les actrices, toutes excellentes, le démontrent d’ailleurs à merveille dans leur jeu subtil, tout particulièrement dans le dernier tiers du film sous très haute tension. Un film à la beauté glaçante.

« Loving ». Richard et Mildred Loving, les biens nommés, s’aiment et souhaitent se marier. Mais en 1958 dans l’Etat de Virginie, c’est interdit quand les futurs époux ne sont pas de la même race. Qu’à cela ne tienne, d’autres Etats l’autorisent. Sauf que de retour en Virginie, ce mariage n’a plus aucune valeur et vivre ensemble sous un même toit est un crime qui conduit tout droit en prison. « Loving » raconte sur une décennie l’histoire vraie de ce couple qui a, presque malgré lui, fait avancer d’un grand pas les droits humains aux Etats-Unis. Le film se concentre principalement sur l’histoire d’amour entre Richard et Mildred Loving, l’aspect judiciaire étant une conséquence de cet amour qu’ils ne peuvent pas vivre librement. Le film est du coup moins spectaculaire et démonstratif qu’il aurait pu l’être, mais il permet de pénétrer avec une grande sensibilité et tendresse dans l’intimité du couple Loving et de ses trois enfants. Le rythme relativement lent du film ne rime absolument pas avec ennui, d’une part parce que la tension est toujours palpable et, d’autre part, parce que la mise en scène et le jeu des acteurs dégagent une formidable finesse.

«The Lost City of Z». En 1906, la Société géographique royale d’Angleterre propose à Percy Fawcett, explorateur qui a vraiment existé, de partir en Amazonie afin de cartographier les frontières entre le Brésil et la Bolivie. Tout d’abord décontenancé par cette mission qu’il considère comme peu en rapport avec ses ambitions, mais n’ayant pas vraiment le choix, il va s’embarquer, en laissant femme et enfants derrière lui pour plusieurs années, dans une aventure dont il ne reviendra pas indemne. Persuadé d’avoir découvert les vestiges d’une cité perdue, il n’aura de cesse au cours d’autres voyages de prouver son existence au risque de se perdre, au sens propre et figuré. « The lost City of Z » brosse en finesse le portrait d’un homme à la personnalité complexe. Tiraillé entre son sens du devoir paternel et militaire et son obsession quasi mystique de découvrir cette cité perdue, le personnage de Percy Fawcett ne laisse pas indifférent. Le film aux images magnifiques et à la réalisation soignée prend son temps, sans doute un petit peu trop par moment, et fait son chemin jusqu’à une fin à la hauteur des espoirs du colonel Percy Fawcett : magique.

Wonder Woman.jpg« Wonder Woman ». Diana est la fille de la reine des Amazones et vit sur une île paradisiaque à l’abri des regards. Elle est entraînée durement pendant sa jeunesse afin de devenir une guerrière imbattable au cas où les Amazones seraient attaquées, ce que craint sa mère qui lui a caché ses véritables origines…Mais avant de régler ses comptes avec le passé, Diana va affronter le monde réel et utiliser ses super pouvoirs au service de la paix alors que la première guerre mondiale fait rage. Femme libérée et en tenue légère, Diana se trouve plongée dans un monde qui est son exact opposé, ce qui donne lieu à des scènes fort drôles tout en permettant à l’intrigue d’avancer d’un bon pas. On ne s’ennuie en effet pas une seconde, les rebondissements étant nombreux et parfois inattendus. Les effets spéciaux sont à la hauteur de ce que l’on peut attendre d’un film de super héroïne, les scènes d’action sont captivantes et s’intègrent fort bien avec des scènes plus intimes sans mièvrerie, les personnages secondaires sont très sympathiques ou très inquiétants et enfin Gal Gadot est une Wonder Woman très crédible et à la plastique irréprochable, comme il se doit pour le personnage.

Voeux 2018 cinéma.jpg

 

 

 

 

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